L'histoire d'un peintre peu doué mais qui persévère grâce à une passion immuable et aux encouragements constants de sa femme.

De retour après deux films introspectifs (de trop, diront les mauvaises langues), Kitano Takeshi nous livre un ACHILLES TO KAME censé plus ou moins terminer cette série de films peut-être encore plus personnels que d’habitude. Oubliez les déceptions de TAKESHI’S et de KANTOKU BANZAI (deux farces trop forcées dont –et c’est un comble- le coté parodique ne faisait quasiment jamais rire). ACHILLES TO KAME renoue en effet avec un cinéma à plusieurs degrés de lecture : le spectateur passe en effet par tous les états… du rire aux larmes, de l’étonnement à la mélancolie.


Divisé en trois parties distinctes, pour trois étapes de la vie d’un homme passionné mais pas vraiment doué (ou dont le talent n’est pas reconnu, je vous laisse seul juge), ACHILLES TO KAME démarre ainsi sur l’enfance de Machisu (entendez plutôt « Matisse ») pour enchaîner sur sa vie de jeune adulte (Yanagi Yûrei, un habitué, incarne Machisu) et conclure sur ses déboires de père de famille (Kitano apparaît enfin à l’écran). Chaque partie est réussie et aucune ne dépare vraiment comparée aux autres. L’enfance de Machisu adopte une imagerie plus dramatique mais jamais le ton du récit ne dérape totalement vers la tragédie totale (grâce au talent de Kitano qui sait jouer comme personne de la gravité et du rire comme d’une seule et même palette de couleurs). La deuxième partie est sans doute la plus détendue, même si la mort frappe toujours quand on s’y attend le moins. Parfois même au beau milieu d’une peinture. Pour terminer, Kitano se met lui-même en scène dans le rôle de Machisu, aux cotés d’une formidable Higuchi Kanako dans le rôle de la femme dévouée, qui croit en son mari depuis le premier jour. Les scènes hilarantes sont alors nombreuses, mais sont constamment ponctuées par des évènements plus ou moins tragiques. On ne se sait donc jamais vraiment sur quel pied danser, avec ACHILLES TO KAME. Ce qui est bon signe, car on ne voit pas le temps passer.

La morale de l’histoire ? Je laisse à d’autres le soin d’extrapoler là où chacun est libre d’interpréter le film selon sa propre empathie avec les personnages et le récit. Une chose est néanmoins certaine : si Kitano s’interroge sur la condition des artistes (les critiques et autres pseudo spécialistes en prennent d’ailleurs pour leur grade), il n’a plus de soucis à se faire d’un point de vue plus personnel…car en réalisant des films il ne gouache aucunement son talent !

Yuichi rejoint un bataillon d'aviateurs et est accueilli d'une bien étrange façon par l'enfant qui les dirige. Comme une impression de "déjà vu"... 
Ces enfants surdoués qui luttent dans les airs contre un ennemi presque invisible, ont parfois à peine le temps de s'interroger sur leur condition, leur passé, leur destin, avant de tragiquement sombrer.

On les appelle les "killdre".













S'appuyant sur une nouvelle relatant l'étrange destin d'enfants pas comme les autres, Oshii Mamoru nous livre une fable crépusculaire à la limite du fantastique, du steampunk et de l'uchronie. Vous pouvez parfaitement vous plonger dans THE SKY CRAWLERS sans connaitre le matériau de base. Quelques zones de flou subsisteront certainement, mais Oshii Mamoru présente ici sa vision des choses et des évènements, et ne creuse volontairement pas certains détails (le conflit, par exemple) pour se pencher sur la psychologie de ces enfants qui n'en seraient pas vraiment (vieillissent-ils, ont-ils un passé, un avenir... une vie tout simplement ?).

D'une justesse foudroyante, THE SKY CRAWLERS est (presque) à ranger auprès de GHOST IN THE SHELL et AVALON dans la filmo de ce réalisateur hors normes. Si je ne creuserai pas le fond de l'histoire de son dernier film pour vous laisser le soin de la découvrir pleinement, je m'attarderai plus longtemps sur le coté technique, tout simplement à tomber par terre (remarque de mauvais goût pour un film dédié à des aviateurs...).













Pour faire simple, je me contenterai de préciser que les combats aériens de THE SKY CRAWLERS sont ce que j'ai vu de mieux au cinéma jusqu'à aujourd'hui (films "live" et anime confondus). Dès la scène d'intro, le spectateur se retrouve en effet collé à son siège comme le pilote plaqué dans son cockpit. Et pourtant, cette première scène dure une toute petite poignée de secondes : mais que d'émotions ! Les effets 3D, criant de réalité, sont d'une justesse absolue. Les chorégrapies aériennes, fulgurantes et rythmées par de rares ralentis parfaitement orchestrés, repoussent les limites de l'immersion d'un spectateur dans une scène d'action (et je ne parle pas du génial traitement du son par la Skywalker Sound Division). De plus, les effets spéciaux (3D ou 2D) s'intègrent plutôt bien à l'animation plus "classique" des personnages. Bien évidemment une différence se fait sentir, mais les couleurs, le chara-design et les décors, habilement pensés, permettent à l'ensemble de bien se marier. On oublie bien vite le relatif échec de GHOST IN THE SHELL 2.0 en la matière.

Techniquement éblouissant, THE SKY CRAWLERS n'en est pas pour autant bâclé sur le fond. Car si les combats aériens sont magnifiques, ils sont aussi bien peu nombreux, Oshii Mamoru s'attardant en effet beaucoup plus sur les "killdre" et leurs troubles d'identité. Lent et contemplatif, ponctué par quelques morceaux de bravoure énormes, THE SKY CRAWLERS ne décevra pas les habitués du réalisateur.




LE TRAILER :



PS : et surtout n'oubliez pas de rester jusqu'au terme du générique de fin.


Dernières impressions :

Gake no ue no Ponyo

Ghost in the Shell 2.0

Dans un futur proche, le Major Kusanagi Motoko, membre d'élite d'une super police constituée de cyborgs, se lance sur les traces d'un pirate informatique, connu sous le nom de "Puppet Master". Motoko, qui ne s'est jamais véritablement questionné sur sa propre existence (humaine, réelle...simplement virtuelle ?) va alors mettre à jour une affaire qui remettra en cause la notion même "d'être vivant"...

GHOST IN THE SHELL 2.0 est en réalité un "remix" de la version originale sortie en 1995. Considéré (à juste titre) comme un véritable film culte aujourd'hui, l'anime d'Oshii Mamoru a marqué son époque grâce à une technique d'animation -presque à l'ancienne- époustouflante, une bande originale (signée Kawai Kenji) qui figure parmi les plus belles jamais composées, une ambiance sale et futuriste qui n'est pas sans rappeler la réussite plastique de BLADE RUNNER et, enfin et surtout, une profondeur d'une grande finesse et d'une grande intelligence. Rarement les thèmes de l'intelligence artificielle, voire de la vie tout simplement, auront ainsi été aussi bien traités sur grand écran. Le tout présenté dans une forme qui frise la poésie numérique et métaphorique (les trois naissances successives de Motoko, l'arbre de vie du Musée qui prend du plomb dans l'aile -au propre comme au figuré, durant cette bataille titanesque entre deux cyborgs). N'ayons donc pas peur des mots : GHOST IN THE SHELL est un chef d'oeuvre. Que penser, dès lors, de ce projet pensé (et réalisé) par Oshii en personne, à savoir ressortir son bébé sur grand écran au Japon (juste avant THE SKY CRAWLERS comme par hasard), mais sous une forme prétendument améliorée ?

Deux choses essentiellement ont ainsi été retouchées : le son, converti au format digital et bénéficiant d'un mixage 6.1 concocté en collaboration avec la Skywalker Sound Division de Georges Lucas, et certains passages du film qui ont été entièrement retravaillés en 3D sur ordinateur (voir les quelques images ci-dessous pour la comparaison et vous faire une idée de l'avant et de l'après...).


Je ne m'attarderai pas sur le nouveau mixage sonore, qui est vraiment (comme on pouvait s'en douter) extrêmement bon (les quelques gunfights prennent une nouvelle dimension, tout comme la musique de Kawai Kenji). Les nouveaux passages du film (génétiquement modifiés ai-je presque envie de dire), me laissent beaucoup plus perplexes. Certaines scènes ont ainsi été complètement changées, entièrement refaites, et rien ne subsiste de l'anime original. Il en va ainsi de la scène d'intro lorsque Motoko saute dans le vide. Idem lorsque cette dernière plonge dans l'eau, ou encore... durant le générique d'intro ! Celui-ci a en effet été altéré, puisque les chiffres verts défilant sur fond noir (une idée recyclée -parmi d'autres- dans MATRIX) ont été remplacés par des images 3D de la peau de Motoko qui semble se pigmenter électroniquement : ce n'est pas laid, loin de là, mais ce n'est plus mon (allez disons même "notre") générique de GHOST IN THE SHELL. La couleur verte absente du générique se fera également plus rare durant le reste du long métrage, pour une raison que j'ai du mal à expliquer...


Quand ce ne sont pas des scènes entières qui ont été refondues, il s'agit de détails tels que les véhicules (presque tous sont à présent modélisés, notamment les hélicoptères sans exception) ainsi que les images informatiques, radars et autres scanners.

Si la position d'un Georges Lucas à propos des nouveaux STAR WARS est défendable (il avait tourné certaines scènes à l'époque, maintenant avec les nouvelles technologies il peut enfin laisser libre cours à son imagination), ce GHOST IN THE SHELL 2.0 me laisse dubitatif. Le film en question n'a tout d'abord pas si mal vieilli. L'animation, les effets de lumière, tout est -encore- plutôt réussi. Ensuite, l'implantation d'une scène entièrement refaite en 3D entre deux scènes réalisées "à l'ancienne" (et même pas "dépoussiérées") plombe un peu l'ensemble, on a alors presque l'impression de sortir du film pour assister à une débauche d'effets presque gratuits. La sensation d'assister à une histoire à deux vitesses laisse un arrière goût assez désagréable. A mon sens, il aurait soit fallu refaire entièrement le film en 3D, soit ne pas le toucher d'un pixel. Enfin, dernière précision, les changements opérés sur cette version 2.0 n'apportent strictement rien de plus à l'histoire. Il n'y a pas de scènes ou dialogues supplémentaires, pas de clin d'oeil au fan, rien qui ne révolutionne l'univers de GHOST IN THE SHELL.


Alors un final, ce GHOST IN THE SHELL 2.0, s'agit-il d'un désastre ? Oui et non... difficile de se prononcer tant le plaisir de redécouvrir cet anime sur grand écran dans des conditions optimales m'a réellement enchanté. Mais en réalité il en aurait été de même si le film avait été présenté avec un "simple" remixage sonore. J'aurais même d'avantage apprécié le voyage, car les scènes entièrement refaites tranchent vraiment trop par rapport au reste du long métrage.

Etrange sensation tout de même, de voir une Motoko modélisée en 3D sauter dans le vide, et d'avoir l'impression que cette personne vous est complètement étrangère...



Le trailer :





 

Un groupe de scientifiques japonais se prépare à quitter sa base, perdue au beau milieu de l'Antarctique. En attendant la relève de la seconde équipe, ils quittent les lieux non sans avoir préalablement attaché tous les chiens… mais en raison de terribles conditions climatiques, la nouvelle équipe ne viendra jamais.














Voilà un film qui m'avait bouleversé lorsque je n'avais pas encore atteint mes dix premières années. Gavé de Disney et autres longs métrages bon enfant et politiquement corrects, la découverte, un peu par hasard, de ce film d'aventure animalier avait constitué un véritable choc à l'époque : ici les animaux mouraient, ils avaient beau endosser parfois le costume de héros ça ne les empêchait pas de souffrir, de saigner… non ça n'empêchait pas l'injustice de frapper.
Mes souvenirs mélancoliques entretenant le mythe d'un film unique, je recherchais ce film depuis sans jamais faillir, pour tomber il y a maintenant quelques années sur une VHS René Château Vidéo puis, enfin, sur le premier dvd doté de sous titres anglais édité par CN Entertainment (Hong Kong). Une chose frappe tout d'abord grâce à l'édition dvd : le film est beaucoup plus long ! En effet, la version française que nous avons connue durant notre enfance est purement et simplement amputée de plusieurs dizaines de minutes : le plus souvent il s'agit de scènes avec les scientifiques japonais (la préparation de la première mission est coupée, la petite fête lors du retour de ladite mission est également passée à la trappe, etc.).
Bref, le visionnage du film en dvd est une bénédiction à part entière. Et le film en lui-même, que vaut-il, de quoi parle-t-il exactement ?

Base Showa, 1958 : la première base construite par les japonais en Antarctique. L'équipe est composée de onze membres, scientifiques pour la plupart, et de dix neuf chiens des neiges.
Après le terrible hiver, l'équipe doit être remplacée par un deuxième groupe. Mais le pire va survenir : en raisons de conditions climatiques abominables, les scientifiques vont devoir abandonner leur base et les chiens, sans savoir quand la deuxième équipe va pouvoir se frayer un passage à travers les glaces afin de prendre possession des lieux.
Après examen de la situation, une décision est prise : personne ne viendra remplacer la première équipe. Personne pour s'occuper des chiens. Personne, non plus, pour simplement les détacher, leur laisser une infime chance du survie…

Mais les plus forts vont parvenir à s'en sortir, torturés par la faim et le froid, ils vont se défaire de leurs chaînes. Un petit groupe va alors se former, et parmi eux le meneur Ricky. Solide et courageux, il va entraîner dans son sillage quelques autres chiens : Jake, Ankie, Whitey, le solitaire Oguma Furen et les deux frères Taro et Jiro. Dès lors les épreuves vont se multiplier sur leur passage : les animaux vont devoir survivre à l'obscurité, à la faim, au froid, apprendre à chasser, à déjouer les pièges des crevasses et des glaces. Parfois au péril de leur vie. Parfois, aussi, jusqu'à son sacrifice.

Utilisant à merveille la beauté mais aussi la cruauté de ces immenses étendues de neige et de glace, le film de Kurahara est à la fois un appel à la tolérance, au respect pour toute vie qu'elle soit humaine ou animale, ainsi qu'un hymne à la nature et un conte initiatique. Petit détail qui a son importance, dans ce film-ci les chiens luttent pour leur propre survie, et ne sont en aucun cas subordonnés à une mission humaine quelconque. Non, dans ANTARCTICA les chiens occupent bel et bien la place centrale du récit, et il faut bien reconnaître que l'on s'attache assez rapidement à eux, que l'on prend fait et cause pour leur douloureuse odyssée.














D'origine japonaise, les chiens du film ANTARCTICA sont d'une race assez particulière. Il ne s'agit pas ici de Husky ni même de races croisées mais de Karafuto Ken. Comme le souligne le film de Kurahara, on peut trouver ces chiens sur les îles Sakhaline, mais aussi à l'extrême nord du Japon, à Hokkaido et aux alentours. Réputé pour son endurance, le Karafuto Ken est également un chasseur, capable parfois de survivre seul. L'extraordinaire condition physique de cette race peut expliquer les doutes mêlés de culpabilité qui vont alors venir hanter les scientifiques japonais durant leur long séjour au Japon. Et si quelques chiens avaient pu survivre durant tous ces longs mois ? Et si ils avaient réussi l'impossible ?
Et si…

Avant tout destiné à un jeune public, ANTARCTICA devrait également ravir les plus anciens qui, comme moi, avaient découvert ce film il y a maintenant vingt ans et qui l'avaient perdu de vue depuis. Des paysages magnifiques, des personnages touchants, des chiens plus courageux et nobles que la grande majorité des humains… oui ANTARCTICA est peut-être le plus joli film animalier qui soit.

Un chef d'œuvre absolu et bouleversant, qui vous touchera encore plus lorsque vous saurez que le scénario s'inspire d'une histoire vraie…